Siempre creí en la pureza y en la belleza. También en la inocencia y en la bondad.
De niño, mis lecturas favoritas fueron siempre sobre mundos desconocidos y fantásticos y sobre Caballeros que empuñaban la espada y la lanza, en defensa del honor, de los inocentes y las doncellas.
El dragón ejemplificaba lo perverso, lo maligno del mundo, a tal punto que su solo aliento era capaz de calcinar hasta el alma de muchos incautos. Los dragones acumulaban joyas y oro sólo para ufanarse a solas, egoístamente y eran capaces de oler a distancia la ausencia de hasta el más mísero penique faltante.
Los dragones han seguido existiendo en el mundo y cada día se multiplican más.
Los Caballeros son cada vez menos.
Hay tanta bajeza, tanta vulgaridad, tanta mala educación y tan malos sentimientos en el mundo actual y de qué mala forma se comprende a los Caballeros que intentan combatirlos.
El destino de un Caballero es ineludible.
Un verdadero Caballero no ceja nunca en sus intentos de matar al dragón. Ni siquiera la muerte lo debería detener.
Las armas del dragón son variadas, vulgares y maléficas. Las del Caballero son pocas y simples.
Siempre he dicho que a falta de espada tengo mi pluma. El dragón podrá ser muy poderoso, tener sus alas extendidas y su aliento putrefacto me podrá quemar el cuello; pero seguirá siendo una triste y miserable criatura permanentemente humillada por mi pluma.
El Caballero siempre será mejor que el dragón.
16-04-2007
PR012 -- NEUSCHWANSTEIN
El Castillo de Neuschwanstein, en Füssen, Bavaria (Alemania), es uno de los más serios postulantes a ocupar un sitio dentro de las Nuevas Siete Maravillas del Mundo. Y es, se dice, el edificio más fotografiado del mundo.
Schloß Neuschwanstein (se pronuncia “shloss noishvanshtain” y significa algo así como "nuevo castillo de la piedra del cisne"), construido en el siglo 19, es el castillo más famoso del Rey Ludwig II de Bavaria y ha servido de inspiración a varias películas, series de televisión e incluso el Castillo de la Bella Durmiente en Disneyland, California, basa su arquitectura en él.
También, su foto ha aparecido en discos de algunas bandas famosas, como Blur y Rammstein.
Es, en verdad, maravilloso.
Pero… ¿Qué hacemos aquí hablando de castillos o de Blur o de Rammstein?
Nada, en realidad. ¡Ni de castillos, ni de Blur ni menos de Rammstein!
Estamos aquí para hablar de Neuschwanstein, una de esas no pocas rarezas dentro del mundo del progresivo que hicieron un solo disco estupendo y que después se diluyeron en los intrincados y oscuros pasillos del recuerdo.
Con una más que marcada influencia de Genesis de la era Gabriel, el único disco de la banda, titulado "Battlement", vio la luz en 1978. Y en 1992, Musea Records lo editó en formato CD, agregándole un track adicional.
(La única foto que he encontrado de la banda)¿Qué podemos decir sobre esta verdadera joya perdida del progresivo setentero de la ex Alemania Occidental? Pues, que todo fan de Genesis debe escucharlo y disfrutarlo, pues combina hermosas composiciones, una fina y delicada muestra de guitarras eléctricas y acústicas, una sorprendente y casi lujuriosa artesanía de teclados (piano, string-ensemble, Mellotron, Fender Rhodes, sintetizadores y órgano), una bella flauta, una muy bien asentada sección rítmica y una voz con letras en inglés que suena como si se tratara del alumno más aventajado del Maestro Peter Gabriel.
Sin tener largas piezas épicas y sin estar las pistas totalmente conectadas entre sí, el disco toma un carácter conceptual debido a la temática de las canciones que las conectan como un todo. Tiene un aire pastoral y poético en muchos de los arreglos, otorgado por los sonidos cristalinos de la guitarra y de la flauta, en tanto la solemnidad nos llega en los pasajes más épicos llenados magistralmente por el Mellotron.
Esta no se trata de una banda clon de Genesis, sino que es más bien una evocación de cómo habría sido a lo mejor el sonido de los muchachos del Charterhouse College en una extrapolación de la onda más pastoral de su obra, identificada con "Trespass". Es una lástima que haya sido sólo debut y despedida, pues estos inspirados alemanes bien merecían continuar por este camino que tan bien comenzaron, en la búsqueda del sonido más propio.
NEUSCHWANSTEIN – Battlement (1978)
Track Listing
1. Loafer Jack (4:42)
2. Ice with Dwale (6:21)
3. Intruders and the Punishment (7:34)
4. Beyond the Bugle (7:31)
5. Battlement (7:05)
6. Midsummer Day (7:42) *
7. Zärtlicher Abschied (5:42)
Total Time: 46:37
.. *Bonus track on cd release
Line-up/Musicians
- Frederic Joos / guitar
- Uli Limpert / bass
- Klaus Mayer / flute, synthesizers
- Thomas Neuroth / keyboards
- Hans-Peter Schwarz / drums
- Roger Weiler / guitar
- Reiner Zimmer / bass, vocals
20-10-2006
PR011 -- FOCUS - Focus 9 / New Skin (2006)
El viejo Thijs es un romántico.Bueno, no sólo él.
Creo que yo también. Por lo menos es lo que sentí al escuchar este nuevo (¡nuevísimo!) disco de Focus. Es que es como meterse al túnel del tiempo y viajar 30 años hacia atrás.
Pero, en el buen sentido de la palabra; es decir, para redescubrir esa grata pasión que van Leer, Akkerman y compañía nos hicieron sentir tantas veces con su prog-holandés-instrumental-folk, ese asombro que nos producían sus melodías, su flauta, sus voces, sus impresionantes solos de guitarra.
La banda
Focus estaba conformado principalmente por el dúo Thijs van Leer en el órgano Hammond y flauta y Jan Akkerman en la guitarra. Sus primeros hits llegaron en la forma de algunos instrumentales como “Hocus Pocus”, “House Of The King” y “Sylvia”. Tampoco podemos dejar de lado sus inolvidables discos “Moving Waves”, “Focus 3” y “Hamburger Concerto”.
Pero como todas las cosas buenas, no podía durar demasiado y los conflictos internos terminaron con este legendario grupo.
A principios del 2002, el percusionista Ruben van Roon convocó al guitarrista Jan Dumée y al bajista Bobby Jacobs para formar un grupo de tributo a Focus, que llamaron Hocus Pocus. Tras los ensayos invitaron a Thijs van Leer para escucharlos y tocar con ellos. Van Leer quedó tan impresionado que se integró al grupo; cambiaron el nombre a Focus, y decidieron grabar un álbum, el que apareció ese mismo año con el nombre de “Focus 8”.
Asimismo, emprendieron con éxito una gira internacional. Van Roon dejó el grupo por circunstancias personales y fue reemplazado por Bert Smaak. El álbum, muy bien recibido por la crítica y con buenas ventas internacionales, marcó el regreso de Thijs van Leer a la verdadera esencia de su música.
En octubre de 2004 se produce el regreso de Pierre van der Linden a FOCUS, continuando con sus giras por diversos países del mundo.
Ahora, el 2006, la banda de nuevo está en el primer plano con una excelente alineación. Por cierto, el genio musical fundador, el viejo Thijs, aún lleva el estandarte. También de regreso en su antiguo puesto está Pierre van der Linden, el baterista internacionalmente reconocido por sus habilidades rítmicas, quien fue y sigue siendo un factor definitorio en el sonido de Focus como un todo. Junto a Bobby Jacobs, quien proviene de una conocida familia de jazzistas holandeses, son responsables de la sección rítmica y esa infalible vena Focus. El talentoso Niels van der Steenhoven, quien no deja dudas en cuanto al manejo de la guitarra se refiere, completa la alineación.
El disco
Ha llegado una nueva era de Focus. Se siente una pasión rejuvenecida en las nuevas composiciones. Son 13 pistas que llevan el sonido característico de la banda y el sello distintivo en la composición de van Leer. Salvo dos pistas, todas las composiciones le pertenecen.
En ellas se despliegan los conocidos instrumentos de siempre, el hammond, la guitarra y la flauta, en canciones bien estructuradas, con sus sonidos característicos. Aquí no se van a encontrar guitarras distorsionadas, sintetizadores, ni tambores electrónicos. Es la misma amalgama del sonidos Focus de siempre.
Pero, no por eso vayan a pensar que no hay nada nuevo. El viejo Thijs, quien fue considerado en su época como uno de los rostros más bellos del rock y hoy en día es un viejo feo parecido a Shrek (¿y cómo estamos por casa?), dijo: “Nuestra música es evolución, no revolución”. El sonido es Focus, pero hay por cierto una evolución en varios conceptos.
Suenan los acordes ultra-conocidos de los clásicos “Focus” y “Sylvia” por varias partes del disco; pero en nuevas formas, metamorfoseados. Ya no se escuchan los característicos yodels de Thijs pero sí sus silbidos. El viejo canta, habla y también gruñe, dándole un tinte humorístico a sus canciones.
Las pistas en general se mantienen en el formato de 4 o 5 minutos, pero encontramos también la excelente "European Rap(sody)" de 10 minutos 20. Hay un solo tema cantado, con la voz de un músico invitado, Jo De Roeck, es la sexta pista del disco: “Just Like Eddy” (¿alguna relación con el clásico “Are you ready, Eddy” que los ELP le compusieron a su sonidista?).
La quinta pista, compuesta por Niels van der Steenhoven, conjunciona un hermoso sonido de guitarra con el infaltable hammond, en una mezcla de evolución y clasicismo. De más está decir, que el trabajo de van der Steenhoven es muy simétrico con el de Akkerman; si tú no tienes mayor información, podrías llegar a creer que es el rubio de barba oscura quien pulsa las cuerdas.
El tema "European Rap(sody)" es excelente. El clásico ritmo folklórico húngaro deja paso a una de esas bellas y melancólicas melodías surgidas de la pluma de Thijs, para terminar con un pasaje frenético, con versos recitados (¿rap?) por el mismísimo viejo, donde se pasea por lugares de Europa y también por algunos de los lugares de Focus…
Después de un cortito tema instrumental, el disco culmina con otro excelente tema, en ritmo de tango, con un inicio que nos vuelve a recordar a su Sylvia querida y que culmina con varios compases del ritmo argentino interpretados por su celebérrima flauta.
Es verdad, este viejo Thijs se las trae…
Track Listing:
01. Black Beauty (4:13)
02. Focus 7 (5:22)
03. Hurkey turkey 2 (4:03)
04. Sylvia's Stepson - Ubatuba (4:48)
05. Niel's Skin (6:03)
06. Just Like Eddy (5:08)
07. Aya-Yuppie-Hippie-Yee (5:20)
08. Focus 9 (7:57)
09. Curtain Call (4:32)
10. Ode To Venus (4:26)
11. European Rap(sody) (10:22)
12. Pim (3:00)
13. It Takes 2 2 Tango (8:01)
Line-up:
Thijs van Leer - Hammond organ, piano, flutes, melodica & vocals
Niels van der Steenhoven - electric guitars & acoustic guitar
Bobby Jacobs - Fender bass & background vocals
Pierre van der Linden - drums
09-10-2006
PR010 -- GENESIS - Foxtrot (1973)
El cuarto disco en la saga de Genesis es otro portento en la historia de la banda.
A estas alturas, el quinteto ya se encuentra totalmente afiatado y la calidad de sus composiciones grupales logra finalmente la consolidación definitiva en el matiz épico que caracterizaría a Genesis durante la primera mitad de los 70.
Como banda ya han alcanzado cierta popularidad en Europa y cuentan con un séquito de seguidores, amantes incondicionales de su propuesta musical y de su puesta en escena. De la época previa a este álbum existen algunos registros en video que testimonian ya el carisma histriónico con el que Peter Gabriel dominaría el escenario y la disposición tipo orquesta de cámara utilizada por los restantes miembros de la banda. Las técnicas exquisitas de Hackett y Banks, la elegancia de Rutherford y la exactitud de Collins se fusionan a la perfección, creando aquel sonido y aquella imagen de pulcritud y perfeccionismo que caracterizó a Genesis por años en sus actuaciones en vivo.
Pero es en este disco donde se escribe uno de los más grandiosos capítulos en la historia del rock progresivo, aquí se llega al clímax en lo que a temas épicos se refiere, con la increíble Supper’s Ready.
Veamos cómo se desarrolla el disco…
Todo comienza con la majestuosa introducción de Watcher Of The Skies, a cargo de Tony Banks. Un posible origen de esta canción es la novela de Arthur C. Clarke de 1953, “Childhood's End” (El Fin de la Niñez). Los Overlords, una raza alienígena, ha sido enviada a la Tierra por un poder superior para preparar a la raza humana a trascender su presente forma de existencia a un 'reino espiritual', un nivel superior de existencia. La voz de Gabriel crece con un tono omnipoderoso mientras los teclados acometen con furia la soledad del poderoso Observador de los Cielos:
Observador de los Cielos, observador de todo
el suyo es un mundo solitario, ningún mundo es suyo
El, a quien la vida ya no puede sorprender
alzando los ojos contempla un planeta desconocido.
La banda entera se contagia con la base rítmica de esta canción, impulsada a todo galope por el bajo de Rutherford. Los teclados suenan como una gran orquesta y acompañan y terminan la sentencia final del solitario observador:
Ahora, tristemente, tus pensamientos vuelven a las estrellas
sabes que adonde fuimos no puedes ir,
observador de los cielos, observador de todo
este es tu único destino, este es tu único destino.
Con este comienzo exultante, resulta un respiro algo sorpresivo el siguiente tema Timetable, pues es una especie de madrigal que nos habla tristemente sobre reyes y reinas de otros tiempos, pero la voz pesimista de Gabriel nos recuerda que siempre, aunque pase el tiempo, habrá reyes y también opresores.
Siguiendo con el tema de la opresión, nos caen inmediatamente los primeros acordes de Get’em Out By Friday (Échalos Antes Del Viernes). Es una canción de humor negro perpetrada a modo de caricatura, con diálogos y comentarios del narrador. En este caso, se trata de la opresión a la cual estamos expuestos los seres humanos por el gran emperador de nuestro tiempo: Don Dinero y la forma encubierta en que se va apoderando de todo lo nuestro:
Represento a una firma de caballeros que recientemente adquirieron esta casa
y todas las de la calle. En interés de la humanidad
les hemos encontrado un lugar mejor para irse, irse, irse.
Y cuando finalmente no hay más espacio restante, se ingenia la forma de reducir el tamaño de las personas, a fin de que ocupen menos espacio:
He oído que los directores de control genético han estado comprando todas las propiedades que fueron
vendidas recientemente arriesgándose demasiado se dice que ahora la gente será más baja
podrá caber el doble en el mismo edificio dicen que no hay ningún problema
empezando con los inquilinos del pueblo de Harlow
en interés de la humanidad, se les pidió que se fueran que se fueran, fueran, fueran.
Una canción notable, con un ritmo festivo, pero con una gran crítica social, la que finalmente nos deja un mensaje:
With land in your hand you'll be happy on earth
Then invest in the Church for your heaven.
(Con tierra en la mano serás feliz en la Tierra
Entonces invierte en la Iglesia para tu Cielo)
Le sigue Can-Utility And The Coast Liners. Esta es una canción excelente, que quedó relegada a un segundo plano. Siempre he tenido la impresión que fue recortada intencionalmente a fin de caber en el primer lado del LP. Es, de hecho, la última canción del lado A del disco. Y cuando recién empieza a tomar un cariz épico excepcional, de repente se termina. Es una lástima, porque sucede justo en un solo instrumental que comienza con unos rasgueos de la guitarra de 12 cuerdas, para continuar con los lastimeros sones del mellotron y el órgano que Tony Banks dispara antes de las palabras finales de Gabriel, magistralmente acompañadas por la guitarra de Steve:
Nada puede destruir mi paz aunque nadie sonría
más abiertos los ojos y los oídos
y pronto se atreverán a reír.
Mira al hombrecillo poniéndose rojo
aunque su historia haya sido contada a menudo,
puedes ver que está muerto.
El disco finaliza, pues desde aquí parte el grand finale, con el hermoso tema instrumental Horizons, una pieza en guitarra que Hackett normalmente desliza en sus conciertos. Este tema es un preludio para la suprema Supper’s Ready, que comienza inmediatamente después.
En los conciertos en vivo, Peter hacía una graciosa introducción a esta canción, narrando una absurda y sabrosa historia que divertía enormemente a la audiencia. Famosa es la versión que cuenta en el mítico Rainbow Concert, del año 73.
La Historia del Viejo Michael:
El Viejo Michael, caminó hacia la tienda de mascotas, que nunca estaba abierta, fue al parque, que nunca estaba cerrado. Y el parque estaba lleno de un verde, suave y limpio césped. Así que Michael se quitó toda la ropa y empezó a frotar su piel en el césped húmedo, limpio y verde. Acompañó esta acción con una pequeña tonada. Era así:
(Phil toca el hi-hat y Peter hace ruidos con su voz)
Debajo de la tierra, las sucias y marrones cosas llamadas gusanos, interpretaron el “pitter-patter” (algo así como un repicar) que se escuchaba desde arriba como la caída de la lluvia. La caída de la lluvia en el mundo de los gusanos, tiene dos significados: apareamiento y la hora de bañarse. Ambas experiencias eran muy agradables para la colonia de los gusanos. En segundos toda la superficie del limpio, verde y suave césped era un enredo de sucias, marrones, mojadas formas. Estaba complacido, así es que el viejo Michael empezó a silbar una tonada para acompañarse: (Phil toca el hi-hat, al principio lentamente hasta que Peter le dice “Más rápido Phil” y Peter silba el Jerusalem Boogie)
Esto, para nosotros, suena quizás como una suerte de Jerusalem Boogie, pero para los pájaros significaba que la cena estaba lista.
Jerusalem Boogie es el himno tradicional Jerusalén en una versión más "movida". El mismo himno del que Emerson, Lake and Palmer hicieran una versión en Brain Salad Surgery.
Bueno, acerca de Supper’s Ready creo que no es mucho más lo que puedo aportar.
Sólo algunos datos adicionales. Como por ejemplo, que la leyenda dice que Peter Gabriel asistió a una sesión de espiritismo y quedó en un estado de trance, hipnótico, traumático, qué se yo y de ahí escribió la letra de la canción. Bueno, he tratado varias veces de entender la letra y… nunca lo he logrado. A lo mejor tengo que pedirle el dato a Peter…
Dicen también que se trata de un recuento del Libro de las Revelaciones del Nuevo Testamento, donde se presenta al Nuevo Jerusalén como el modelo de una sociedad perfecta, que vence luego de una batalla épica entre las fuerzas del Bien y del Mal.
Cuando finaliza la canción, con los proféticos versos:
¿No puedes sentir cómo se encienden nuestras almas?
despidiendo colores cambiantes
en la oscuridad de la noche que se desvanece
como el río se une al océano
como el germen crece en la semilla
al final hemos sido liberados y podemos volver a casa.
Hay un ángel de pie en el sol
y está gritando en voz alta
"Esta es la cena del Todopoderoso
el Señor de Señores, Rey de Reyes
ha regresado para conducir a sus hijos a casa
para llevarnos a la nueva Jerusalén".
sientes un cosquilleo dentro del alma y la música que se desvanece de a poco te avisa que la cena ya terminó…
La Versión de Supper’s Ready en el Rainbow Concert
Y como dicen que una imagen vale más que mil palabras, no me puedo aguantar de entregarles esta versión en vídeo, que son varios miles de imágenes, es decir millones y millones de palabras. Esta es la versión del Rainbow Concert que mencioné antes. Es un video largo, más de 26 minutos, así es que dénle tiempo a que se cargue desde Youtube.
Track Listing:
01. Watcher of the Skies
02. Timetable
03. Get'em out by Friday
04.Can-utility and the coast liners
05. Horizons (instrumental)
06. Supper's Ready
a) Lover's Leap
b) The guaranteed eternal sanctuary man
c) Ikhnaton and Itzacon and the band of merry men
d) How dare I be so beautiful
e) Willow Farm
f) Apocalypse in 9 x 8
g) As Sure as eggs is eggs
Line-up:
Tony Banks - Órgano, melotrón, piano, piano eléctrico, guitarra de 12 cuerdas, voces
Michael Rutherford - Bajo, bajo de pedales, guitarra de 12 cuerdas, voces
Peter Gabriel - Voz principal, flauta, batería de bajo, pandereta
Steve Hackett - Guitarra eléctrica y de 12 cuerdas
Phil Collins - Batería, voces, percusión
Links y Cómo Generar el Disco
El disco está grabado como imagen completa de audio y posteriormente comprimida en formato APE (Monkey’s Audio). En el archivo RAR resultante encontrarán dos archivos: “Genesis-Foxtrot.ape” y “Genesis-Foxtrot.cue”. El archivo “cue” contiene la descripción del layout del disco de audio.
Instálense el quemador Burrrn que entrego en el paquete SDVTools, asocian la extensión “cue” con este software y a continuación le dan doble click al archivo CUE. Se va a activar el Burrrn y allí verán el track list completo del disco. Sólo a darle click al botón “Burrrn” y en pocos minutos tienen el disco listo, con la misma calidad que el original.
08-10-2006
GU003 -- SDVTools: Un Paquete de Herramientas Muy Útiles
En esta oportunidad quiero apartarme un poco de nuestro tema principal, la música, para presentarles un conjunto de herramientas, de dominio público, que son realmente útiles al momento de manipular los archivos de audio digital y los CD de audio.
Este paquete de herramientas consiste de los siguientes elementos:
1. Exact Audio Copy v.0.95 beta 4: Cuando de extracción de audio de un CD de música se trata, éste es el software más apreciado actualmente. Es sumamente fiel a todas las transiciones encontradas en el CD, a los gaps, etc. además de contar con una muy buena corrección de errores. El output que produce es comprimido o descomprimido, de acuerdo a la elección del usuario. Puede combinarse con el codificador LAME de mp3 para generar los archivos más fieles posibles en dicho formato. Otra gracia adicional es que puede extraer la imagen de audio de un CD completo y generar el archivo CUE que describe el layout del disco para cuando deseemos generar nuevamente el CD de audio a partir del archivo comprimido correspondiente. Experimente con todas las opciones que este software puede brindar.
2. Burrrn 1.14 beta 2: Un quemador de CDs de audio en formato gráfico y muy liviano. Es capaz de interpretar una multiplicidad de archivos de audio en distintos formatos de compresión, ya sean “lossy” o “lossless”, entre ellos wav, mp3, mpc, ogg, ape y flac. Una de las gracias, aparte de que no se complica con nada que otros quemadores sí hacen, es que este software recibe como input ya sea un conjunto de archivos en diferentes codificaciones y genera el CD de audio, haciendo previamente las descompresiones requeridas. Pero, también uno puede asociar a este software la extensión “cue”, de esa forma cuando uno tiene un archivo de imagen comprimida o no de un CD de audio con su correspondiente archivo CUE de descripción, simplemente le da doble click a este último y el Burrrn carga en forma automática todo el track list y te genera el CD completo. Otra cosa importante, las pausas que genera entre pista y pista son imperceptibles, lo que se agradece bastante en los discos conceptuales; no hay nada más desagradable que el pequeño “click” que deja el Nero entre pistas que deberían ser continuas.
3. FLAC: Todo lo necesario para trabajar con este excelente formato de compresión lossless, tanto el motor de codificación como el frontend gráfico, que nos ahorra tener que aprendernos crípticas opciones de línea de comandos.
4. Monkey’s Audio: La plataforma para producir el preciado formato APE. Este es un excelente formato de compresión lossless (sin pérdida). Lo bueno es que el paquete viene con un instalador que carga en el PC todo lo necesario para operar desde el intuitivo interfaz gráfico del software. Cero complicaciones, sólo instale, ajuste las opciones y listo. Comprime desde WAV a APE y descomprime en sentido inverso.
5. LAME: Un conjunto de información sobre el codificador LAME, el mejor para generar archivos mp3; además se incluyen dos motores de codificación. Ahora incluimos la versión 3.97 (final).
6. RapGet v1.26: La última, nuevecita versión de este útil programa, el que permite automatizar nuestras descargas desde los file hostings más populares: rapidshare, megaupload, turboupload, badongo, sendspace, entre 63 disponibles. En la carpeta donde está este utilitario, he incluido también un utilitario que instalará los DLL de soporte, previo a ejecutar el programa, para poder tener full-compatibilidad con Rapidshare.
Les recomiendo sobremanera bajar esta “caja de herramientas” e instalarlas en su PC, les va a hacer la vida harto más fácil.
NOTA: (18/11/06) ACTUALIZADO CON NUEVA VERSIÓN 1.26 DE RAPGET, INCLUYE VERSIÓN 3.97 DE LAME Y CORRIGE ERROR EN EXACT AUDIO COPY.
Link: http://rapidshare.com/files/3908825/SDVTools.rar.html
Password: sirlawnmower
03-10-2006
GU002 -- Reflexiones Sobre la Música Progresiva
He recibido varios correos de amigos que, al ver este sitio y siendo ellos neófitos en materia musical, me preguntan “pero al final de cuentas… ¿Qué es eso que llamas música progresiva?”. De igual forma, aquellas personas que tratamos de “evangelizar” y llevarlos al terreno más culto de la música popular, hacen la misma pregunta.
En primer lugar, no quise titular este estudio como “Reflexiones Sobre el Rock Progresivo”. Si bien es cierto, el origen del término “progresivo” está íntimamente relacionado a un cierto tipo de rock que se originó a principios y mediados de la década de 1970, con el correr del tiempo el término ha debido ser ampliado para abarcar corrientes y sub-corrientes de música, algunas de las cuales no necesariamente guardan una clara relación con lo que conocemos como “rock”.
Como otro elemento de reflexión, debemos hablar de “música progresiva” y no de “bandas o grupos progresivos”, porque no siempre todo lo que se pueda considerar como música “progresiva” ha sido creado por una banda “progresiva” y, al contrario, no todas las bandas “progresivas” han producido siempre música considerada “progresiva”.
Lamentablemente, no hay una definición exacta o consensuada. Pero, en el transcurso de los años, personalmente he ido construyéndome mi propia definición, la que trataré ahora de explicar.
Un Poco de Historia
Antes de comenzar con la reflexión de qué es la música progresiva, examinemos muy brevemente la Historia (esa que se escribe con H mayúscula) enfocándonos sobre el fenómeno de la música popular contemporánea...
Les Paul
Hablemos en primer lugar del señor Les Paul (bautizado como Lester William Polsfuss), extraordinario inventor y músico, eximio ejecutante, quien a mediados del siglo 20, cansado de que la audiencia le pidiera cada vez que su guitarra sonara más fuerte en los conciertos, desarrolla el invento que lo haría más famoso: la guitarra eléctrica de cuerpo sólido. Mientras escribo estas líneas rememoro el privilegio que tuve de ver al señor Les Paul en el Club Iridium de Nueva York, en 1998, tocando y cantando maravillosamente a sus ochenta y dos años, con su Gibson en las manos... Hoy en día, las guitarras Gibson Les Paul, autografiadas por este veterano que daría al mundo otros inventos como la grabadora multipista y efectos de sonido como la reverberancia, están en el selecto grupo de las más preciadas y coleccionadas del mundo.
El Rock & Roll
Con la magnífica arma que era la guitarra eléctrica en las manos y con la herencia e influencia del blues y el jazz del sur de los Estados Unidos metida en la piel, la década del 50 ve aparecer en ese país algunos genios con ideas que simplemente cambian la forma de la música.
Es el nacimiento del Rock & Roll, y la aparición de íconos inmortales como Elvis Presley y Chuck Berry, quienes habrían de remecer hasta los cimientos el anquilosado edificio de la música popular. Tal fue la fuerza de este remezón, que provocó una inmensa conmoción social y cultural, dio a luz a nuevos estilos de vida, y abrió profundas brechas generacionales... En fin, se constituyó en una revolución cultural que se hizo extensiva a las demás manifestaciones del arte, como la plástica, la literatura y el cine.
Desde Inglaterra, los gigantescos Beatles marcan con su característico sello la década del 60, provocando también de paso, el reconocimiento del productor y del ingeniero de sonido como elementos fundamentales en la creación de un disco. La expectación que provocó en el mundo entero la aparición del álbum conceptual Sargent Pepper's Lonely Hearts Club Band, creo que no ha tenido parangón en términos de significado en el resto de la historia de la música popular.
El momento cumbre que inmortalizó la revolución del rock & roll y del movimiento "hagamos el amor y no la guerra", llamado también la "revolución de las flores", se comenzó a gestar en la costa oeste e hizo explosión finalmente en la costa este de Estados Unidos. Cientos de miles de jóvenes se conglomeraron en un campo de alfalfa del estado de New York, bajo el emblema Tres Días de Paz y Música. En esos tres días, el Festival de Woodstock pasó a la Historia quedando registrado en el celuloide y el vinilo de la época, y en la tecnología digital de hoy en día. Prominentes y emblemáticas bandas y músicos del rock & roll se pararon en el escenario, como la irrupción latina de Santana, la irreverencia de The Who, el folk de Crosby Stills & Nash, las poderosas voces de Richie Havens y Joe Cocker, la maestría de Jimi Hendrix y la inverosimilitud de Janis Joplin...
El Rock & Roll y el Hard Rock
Por esa época, y como una derivación natural del rock & roll original, comenzaron a surgir distintas variantes del género. De hecho, los mismos Beatles ya habían incorporado elementos pop, étnicos y progresivos a sus últimos trabajos. Los últimos tres años de la década del 60 y los primeros años de la década del 70 son bastante peculiares, pues — si bien es cierto se produce la separación de los Beatles — en ese período se forman las grandes bandas que serían los pilares de la música popular de estos últimos treinta años. Por un lado, en un estilo rock & roll químicamente puro, con algunas variantes pop posteriores, los Rolling Stones se han dado el lujo de mover multitudes tras varias generaciones. Por otro lado, la corriente llamada Hard Rock conquistó rápidamente a un gran número de seguidores incondicionales, gracias a paladines invencibles como fueron Led Zeppelin y Deep Purple.
El Rock Progresivo
Pero, también a fines de los 60 y principios de los 70, quizás considerando un poco agotados los márgenes estándar que había impuesto el rock & roll, un grupo de músicos de excepción comienza a aventurarse más allá de esos límites, explorando nuevas rítmicas, nuevas armonías y nuevos sonidos. La emergencia del sintetizador moog, del mellotron y de otros teclados electrónicos sirve de trampolín para que se lancen a un mundo nuevo que está allí esperándolos. Con una sólida formación sinfónica muchos de ellos, o sencillamente virtuosos y naturalmente dotados otros, e inspirados en cierta medida por la sicodelia sesentera, empezaron a brotar de las islas británicas las voces, pianos, guitarras, tambores y bajos de Jon Anderson, Peter Gabriel, Robert Fripp, Keith Emerson o Roger Waters. Mientras tanto, los disciplinados alemanes relucían electrónicamente con figuras como Klaus Schulze y los joviales holandeses divertían al mundo con un exorbitante Thijs Van Leer.
La conjunción de lo mitológico, de las leyendas artúricas y del universo tolkeniano, da vida a obras épicas de gran magnitud y también a la involucración de otros instrumentos o alineaciones comúnmente asociados a la música más docta. Un canto medieval, aires de madrigal, de trovador, la figura de un gigantesco saltimbanqui dando brincos en el escenario, hermanos perdidos en Nueva York, visiones apocalípticas con ángeles emergiendo de una fumarola, cerdos volando galanamente por los aires, cortes de reyes coloridos, virtuosismo instrumental desplegado por toneladas, histrionismo llevado a su máxima expresión, maravillan a un público que se desata en un delirio rayano con la devoción... El mundo es testigo del nacimiento de un nuevo género: el Rock Progresivo.
Pero... ¿Qué es la Música Progresiva?
No es un término fácil de explicar porque simplemente no existe una sola explicación, sino que muchas. Trataremos de introducirnos en el tema con el siguiente comentario:
“El rock progresivo fue lo que sucedió a principios de los 70 cuando ciertos instrumentistas brillantes se hastiaron de tocar canciones sobre amor adolescente que duraban tres minutos y medio. Desafortunadamente, esto los llevó a comenzar a tocar canciones de diez minutos y medio acerca de nada en particular”.
-- Geoff Nicholson, “Big Noises: Rock Guitar in the 1990s”, Quadrant Books, 1991.
Dejando el humor de lado, creo que existen tantas explicaciones acerca de la música progresiva, como gente pueda leer estas líneas. La palabra “progresivo” ha sido definida como “moverse hacia adelante”, “ampliar el alcance”, “cambiar en incrementos” y muchas más. Pero, en este contexto, quizás debamos dejar de lado el diccionario y tratar de entender el término más como lo que intuimos al escuchar cierto tipo de música.
El término “rock progresivo” también es correcto y no necesariamente restringe el concepto a ejemplos de música relacionada con el rock. De esta forma, es posible referirse como “rock progresivo” a manifestaciones como el “ambient” de Brian Eno. Por lo tanto, debemos considerar el término sólo como un mnemotécnico que no tiene significados ni implicancias sobre el estilo de composición. Es algo así como cuando hablamos de “bebida” y nos referimos a una gaseosa, a un licor o a un simple té.
Algunas explicaciones tratan de “disectar” la música actual. La música más “pegajosa”, la música más popular, se construye sobre una base rítmica simple, con un par de estrofas que se repiten una o dos veces, en seguida viene un coro con una melodía fácil de aprender y luego se repiten las dos estrofas y todo una vez más, así hasta el final de la canción. Esto apunta a objetivos simples y cortoplacistas, pero muy exitosos: entrar rápidamente en el consciente colectivo, propiciar la fácil memorización, provocar normalmente deseos de mover el cuerpo (¿bailar?) o sencillamente exacerbar emociones básicas. La producción de este tipo de música puede incluso ser hecha “en serie” o automatizada, como por ejemplo el “tecno”. Los resultados comerciales son normalmente favorables y los grandes sellos invierten considerables sumas en mercadeo y promoción de los “artistas” y sus álbumes, hasta que estos simplemente pasan de moda y son reemplazados por “productos más frescos”.
La música progresiva, en cambio, se fundamenta sobre una base rítmica compleja, la que puede ir variando a lo largo de la composición, teniendo pasajes muy lentos o muy románticos, otros de gran intensidad y fuerza, otros de completo “desorden” (el cual es sólo aparente), todo esto tanto en lo lírico como en lo instrumental. La sustentación de esta estructura existe porque los miembros de la banda que interpreta la música normalmente son instrumentistas excepcionalmente talentosos, los vocalistas acometen las letras con una entrega rayana en la devoción y tanto la lírica como los instrumentos desarrollan una atmósfera que lleva al oyente (y buen entendedor) a pasearse por una amplia gama de emociones o sentimientos, incluso a cuestionamientos, muchos de los cuales están a nivel puramente intelectual.
Dado el carácter más complejo, más intelectual de esta música, dado que no es simple de asimilar y de memorizar, a que normalmente no se puede bailar y que, por lo tanto, apunta a un público más selectivo, los grandes sellos no amparan generalmente este tipo de producciones y los recursos con que cuentan los artistas son escasos. Los sellos que acogen sus producciones son usualmente independientes, casi artesanales. Sin embargo, en contraposición a la música popular, la música progresiva tiende a trascender por sobre las barreras del tiempo y de las modas, por lo que gran parte de sus seguidores lleva muchos años escuchando este tipo de música y su fidelidad es a toda prueba.
¿Cómo se Reconoce la Música Progresiva?
Naturalmente, cualquiera que esté incursionando en este mundo desea encontrar algunas características comunes que definan a un cierto tipo de música como progresiva. Desafortunadamente, como es en el caso de otros conceptos, no existe ni siquiera una característica común que toda la música progresiva comparta. Se puede tener una idea de lo que se piensa que es la música progresiva si se manejan descripciones como “complicado”, “intrincado”, “innovador”, “desafiante” y otros más. Obviamente, ninguno de estos adjetivos, incluso si se combinan entre sí, son necesarios o suficientes para definir categóricamente el término.
Bastará con señalar, entonces — y a riesgo de ser humillantemente rebatido por los puristas del lenguaje, quienes argumentarán que lo definido no puede estar contenido dentro de su propia definición — que la música progresiva es lo que suena como otra música progresiva. Esto no es un círculo vicioso, puesto que existen referentes aceptados, como Genesis, Yes, Gentle Giant, Pink Floyd y King Crimson, que podemos usar como la base para la analogía. En todo caso, se debe ser muy cuidadoso al usar estos cánones como los únicos referentes, puesto que de esa forma estaríamos ignorando la característica central de un término como “progresivo”: el que no tiene términos definitorios centrales. En última instancia, queda entonces como responsabilidad del oyente el rayar los límites de lo que él piensa que calza en su apreciación como progresivo o no. Lo importante siempre va a ser la música y no las etiquetas que se le pongan.
Con esto quiero decir que lo que nosotros intuimos como progresivo porque nos suena como Genesis y nos gusta como tal es totalmente válido, aunque otro piense que ninguna de las aseveraciones anteriores es verdadera. También, debemos dejar el criterio abierto para dar cabida a otra música o músicos que no nos suenen como nuestros patrones clásicos, pero que sí intuimos que debe ser considerado como progresivo, ya sea por su “complejidad”, o “intrincancia”, o “innovación”, o “desafío” o como queramos adjetivarlo. Si nos gusta ahora, o nos gustó antes y creemos que nos seguirá gustando, tal vez el ponerle nombre o tratar de clasificar tal o cual obra de una banda no sea lo más importante.
Clasificación de la Música Progresiva
La razón por la que hay tanto desacuerdo en sobre si una música es progresiva o no y sobre lo que es progresivo en sí, es que el término es usado para describir muchos estilos de música ostensiblemente diferentes. Distintos tipos de música innovadores o inclasificables están incluidos bajo el paraguas progresivo, lo que mueve a bastante confusión. Lo importante de recordar es que el término no está totalmente restringido a Yes o Genesis primitivos. La gente que piensa de esta forma queda absolutamente sorprendida cuando escucha por primera vez a Henry Cow, Magma o Univers Zéro; encuentran que sus horizontes se han ampliado, puesto que hay muchas formas diferentes de escuchar música, dependiendo de sus características. Los sub-géneros aceptados comúnmente, y que se describen a continuación, a menudo se concentran en diferentes aspectos de la música. Por ejemplo, la mayoría del RIO se concentra en el ritmo y requiere una actitud distinta en el oyente de la que tiene con el “ambient” que puede estar focalizado totalmente en la sonoridad, con exclusión del ritmo. Lo que caracteriza a un oyente experimentado es su capacidad de “switchearse” rápidamente entre estos focos diferentes y no criticar a la música por no poner atención en algo que ni siquiera está intentando acometer. Ninguna forma de música puede direccionarse a todos los aspectos interesantes de la música. Esto me lleva a sugerir que un oyente maduro y lógico que está verdaderamente interesado en la música tendrá gustos mucho más diversos de lo que la mayoría de la gente pueda siquiera imaginar. La música progresiva se direcciona a un espectro bastante amplio de atributos interesantes de la música.
Una cosa más. Existe una tendencia perniciosa de algunas personas por considerar la música progresiva como la joya de la corona, como la guinda de la torta de la música. Esto no es más que un sin sentido de gente con una escasa experiencia musical. La música progresiva no es más que un rincón pequeño de la música como un todo. El desafío es explorarla lo más ampliamente posible, porque sospecho que la música progresiva es un rincón particularmente entretenido para explorar.
Las Diferentes Categorías de la Música Progresiva
He aquí una primera clasificación de los sub-géneros que podemos encontrar bajo el gran género de la música progresiva. La lista no es exhaustiva ni representa a lo mejor otras clasificaciones que se pueden encontrar; pero servirá de guía para conocer un poco más del tema.
Ambient
Como el nombre lo sugiere, es una forma de concentrarse en la ambientación en lugar de en características normales, tales como la melodía, la armonía o el ritmo
Ejemplos: algo de Eno, Laraaji, Robert Rich, Cluster, los primeros Kraftwerk, Neu, mucha música new age.
Art Rock
Un nombre usado para referirse a antiguos trabajos exploratorios que tenían raíces en el pop. Muy a menudo es un despliegue de actitud en adición a cualquier característica musical. Es un término del cual se ha abusado que pareciera referirse más a la apariencia que a la música en su acuñamiento más común. En la frontera entre lo progresivo y estilos más comerciales de música. Muchas de estas bandas suelen ser etiquetadas simplemente como AOR (Adult Oriented Rock). Un punto de vista diferente de lo que puede ser música más sencilla pero hermosa. No muy progresiva pero casi.
Ejemplos: Be Bop Deluxe, Brian Eno al principio, Roxy Music, Toto, Moody Blues
Author Music
Este tipo de composiciones suelen estar escritas, interpretadas y producidas por una sola persona, por lo cual están muy identificadas con ella. Mike Oldfield, por ejemplo es uno de sus más claros ejemplos, el cual creó unas composiciones en las que mezclaba desde rock duro a música celta, llegando a ser tremendamente popular. Existen muchas influencias y enfoques a esta música.
Ejemplos: Mike Oldfield, Jean-Pascal Boffo, Jean-Michel Jarre, Alfredo Carrión, Lluis Llach (algo)
Canterbury
Una región de Inglaterra donde se originó un estilo único. El nombre de la región ahora ha pasado a ser la etiqueta para el estilo de música. Una de las formas más tempranas reconocidas como progresiva, la música Canterbury enfatiza la complejidad lacónica y usualmente los sonidos identificablemente ingleses. Las ideas resultantes de esta forma de música fueron muy originales. A menudo bastante jazzísticas en una forma bastante liviana, al integrar influencias del jazz de maneras únicas.
Ejemplos: Caravan, Soft Machine, Hatfield & The North, National Health
Classical Rock
Más accesiblemente relacionadas, las bandas que se iniciaron con The Nice intentando fusionar la música clásica con estructuras del rock. A menudo se sintió que eran bastante pomposas aunque exitosas en su tiempo. Muchas veces son en un formato de tres músicos.
Ejemplos: The Nice, ELP, Le Orme, Ekseption, Trace, The Trip
Euro-Rock
Cajón de sastre que describe un tipo de música progresiva más directa. Hay mucho material en la etiqueta alemana Bellaphon de principios de los 70. A menudo combinado con "Kraut Rock". Pueden incluirse las etiquetas Ohr, Brain, Komische y Pilz. Algunos grupos estaban caracterizados por la presencia de vocalistas femeninas.
Ejemplos: Nektar, Message, Amon Düül II, Can, Faust, Nine Days Wonder, Earth & Fire, Sandrose, Analogy
Euro-Rock Holandés
Estas bandas tenían un cierto sonido común. Es algo difícil de describir salvo por el hecho de que normalmente hay una fuerte presencia de la guitarra.
Ejemplos: Focus, Finch, Supersister, Crucis (Argentina), Earth & Fire
Experimental/Industrial
A menudo es material experimental duro. Los recovecos de la música donde casi nada más puede suceder. Casi siempre es difícil para el novato. Un uso considerable de ruidos, objetos, música concreta y a veces incluso herramientas eléctricas. Generalmente se focaliza en la textura y sonoridad a expensas de todo lo demás. Un área fascinante para el aventurero.
Ejemplos: Einstürzende Neubauten, Nurse With Wound, Hafler Trio, Main, Coil
Francés Teatral/Sinfónico
Cercano al género sinfónico pero diferenciadamente francés - un estilo consistente en rock progresivo y sensibilidad teatral que prosiguió con el estilo rock/disfraz de Peter Gabriel.
Ejemplos: Ange, Mona Lisa, Angipatch
Fusión
Jazz-rock explorativo; una fusión como su nombre lo sugiere. Quizás un poco más jazzístico que la mayoría de la música progresiva, pero más rockera que la mayoría del jazz. Es un género bastante bien establecido y excitante, con muchos intérpretes virtuosos.
Ejemplos: Mahavishnu Orchestra, Brand X, Iceberg, Arti e Mestieri, Bruford, Iceberg, Embryo, Area, Dixie Dregs.
Krautrock
Es un término político ligeramente incorrecto para referirse a una forma de rock usualmente extraño que se originó en Alemania en los 70. Tipificado como un estilo suelto e improvisacional con una gran proporción de experimentación y un sabor ligeramente peculiar. A menudo es difícil de escuchar, bastante siniestro y encubiertamente intelectual. Muy influyente en todo tipo de áreas incluso hoy en día. Algunas personas lo consideran el precursor de la música industrial, lo que está correcto: hay similitudes pero probablemente tantas como diferencias.
Ejemplos: Can, Amon Düül II, Faust, Xhol, Agitation Free, Tangerine Dream antiguo, Ash Ra Tempel
Metal Progresivo
Heavy metal influenciado por rock sinfónico o fusión. Usualmente es mucho más complejo que el metal estándar y se enfatiza a los instrumentistas virtuosos.
Ejemplos: Dream Theater, Fates Warning, Watchtower, Siege's Even, Cynic, Atheist
Neo-Progresivo
Rock sinfónico hecho en un formato simplificado o más comercial. A menudo rico y melodioso pero sin la complejidad de la música progresiva tradicional. Mayoritariamente, un fenómeno de los 80 y los 90.
Ejemplos: Marillion, iQ, Pendragon, Twelfth Night, Aragon, Jadis, Grey Lady Down
Progresivo Británico Temprano
La mayor parte de este material se asocia con la discográfica "Vertigo" original. Este tipo de música combinaba la psicodelia de los 60 con el rock sinfónico que se avecinaba en los 70, en iguales proporciones.
Ejemplos: May Blitz, Cressida, Spring
Progresivo Comercial
Existen algunos grupos que han hecho buena música rock que podrían ser considerados progresivos o no dependiendo de quién los escuche y de qué momento de su discografía se considere. Al menos su música es a veces compleja y hermosa. Nos hallamos de nuevo en las fronteras del progresivismo, desde el rock al pop. Son músicas accesibles a casi todos los oídos, quizás por ello nos encontramos ante las bandas más populares del mundo prog (y del no prog).
Ejemplos: Queen, Supertramp, Electric Light Orchestra (al principio), Dire Straits, Boston, Asia
Progresivo Electrónico
A menudo mal categorizado como “new age”, mucha de su música ya estaba circulando bastante antes que se acuñara el manoseado término. Muy explorativo, éste es un amplio campo y se tipifica por el uso de casi puros equipos electrónicos, de allí el nombre. Hay frecuentemente una concentración en la sonoridad y en la textura sobre los otros atributos musicales. Muchas veces espaciosos y etéreos. A veces bastante oscuramente poderosos pero no en la forma que tiende a ser el material ambient industrial. Los tipos de sonidos explorados tienden a estar dentro del rango menos extremo del sintetizador.
Ejemplos: Tangerine Dream de los 70, Klaus Schulze, Steve Roach, algo de Popol Vuh, lo más tardío de Kit Watkins, Jean-Michel Jarre
Progresivo Folk
Una variedad de música que tomó canciones folklóricas simples e hizo algo bastante nuevo con ellas.
Ejemplos: Emtidi, Witthüser & Westrupp, Malicorne, Mellow Candle
Progresivo Italiano
Género difícil de definir salvo por el hecho de que está desarrollado por bandas italianas. Quizás pueda destacarse una preocupación en este tipo de música por la dinámica, la elegancia y la sofisticación vocales.
Ejemplos: Premiata Forneria Marconi, Banco, Nuova Era, Semiramis, New Trolls (al principio), Locanda delle Fate.
Progresivo Neo-Clásico
Estilo que fusionó la música clásica del siglo 20, como Bartók y Prokofiev, con estructuras de rock nuevas. A veces referida como “chamber rock”, puede ser difícil de apreciar al principio porque los artistas de este tipo están aislados y son bastante diferentes. También, tiende a ser muy compleja, requiriendo ser escuchada muchas veces para alcanzar una correcta apreciación. Uno de los géneros menos entendidos del cual mucha gente es indiferente aunque es uno de los más enriquecedores.
Ejemplos: Univers Zéro, Art Zoyd, ZNR
Progresivo Sinfónico
Caracterizado por ricos teclados/sintetizadores, voces muy melódicas y a menudo estructurado como una pieza de música clásica, arreglada para una instrumentación de rock extendida, flexibilizando los límites del formato del rock. Cuando alguien trata en forma poco seria la música progresiva, esto es casi siempre de lo único que hablan. A menudo se escucha hablar de este género usándolo erróneamente como un sinónimo de toda la música progresiva y es llamado “pretencioso”.
Ejemplos: Yes, Genesis, Camel, Atoll, Mirthrandir, Änglagård
Rock In Opposition (RIO)
Un nombre acuñado por el ex baterista de Henry Cow, Chris Cutler. Este tipo de música desafía la categorización consistentemente (excepto por “RIO”) y es extremadamente desafiante y a menudo difícil de escuchar. Sin embargo, es muy enriquecedora en el largo plazo. La inclinación de las letras es normalmente política, especialmente en aquellas bandas en las que Cutler ha puesto sus manos. Técnicamente, bandas como Art Zoyd y Univers Zéro son RIO puesto que ellas suscriben a la amplia ética musical de Cutler en su concepción original. Sin embargo, el nombre ha sobrepasado sus connotaciones políticas originales y ahora se usa para referirse a artistas que interpretan un rol en forma similar a la simiente de Henry Cow, la principal banda RIO.
Ejemplos: Henry Cow, Art Bears, Samla Mammas Manna, News From Babel, Thinking Plague, Etron Fou Leloublan
Space Fusion
Un término áspero dado especialmente a la estupenda banda Gong, por su única mezcla de jazz fusión y ambientación. A menudo muy energética y concentrada en largos jams de solos teñidos con psicodelia. Generalmente se da un alto nivel de interpretación apretadamente moderado para crear una atmósfera limpia y brillante de efervescente fusión.
Ejemplos: Gong, Ozric Tentacles, Neo, Carpe Diem, algo de Djam Karet
Space Rock
Como los de arriba pero sin el lado jazzístico. Hawkwind fue casi el único exponente de este género y fueron los innovadores.
Ejemplos: Hawkwind, Amon Düül (la alineación inglesa)
Zeuhl
Una de las áreas verdaderamente únicas y menos conocidas de música, tipificada y casi totalmente debida a la increíble banda francesa Magma. Es un término usado para referirse a una marca particular de jazz fusion, a veces con fuertes influencias de Coltrane pero adoptando una grandiosidad y lenguaje armónico de ciertos trabajos clásicos, particularmente “Les Noces” de Stravinsky.
Ejemplos: Magma, Weidorje, Zao, Shub-Niggurath, Honeyelk, Musique Noise
Dejando el humor de lado, creo que existen tantas explicaciones acerca de la música progresiva, como gente pueda leer estas líneas. La palabra “progresivo” ha sido definida como “moverse hacia adelante”, “ampliar el alcance”, “cambiar en incrementos” y muchas más. Pero, en este contexto, quizás debamos dejar de lado el diccionario y tratar de entender el término más como lo que intuimos al escuchar cierto tipo de música.
El término “rock progresivo” también es correcto y no necesariamente restringe el concepto a ejemplos de música relacionada con el rock. De esta forma, es posible referirse como “rock progresivo” a manifestaciones como el “ambient” de Brian Eno. Por lo tanto, debemos considerar el término sólo como un mnemotécnico que no tiene significados ni implicancias sobre el estilo de composición. Es algo así como cuando hablamos de “bebida” y nos referimos a una gaseosa, a un licor o a un simple té.
Algunas explicaciones tratan de “disectar” la música actual. La música más “pegajosa”, la música más popular, se construye sobre una base rítmica simple, con un par de estrofas que se repiten una o dos veces, en seguida viene un coro con una melodía fácil de aprender y luego se repiten las dos estrofas y todo una vez más, así hasta el final de la canción. Esto apunta a objetivos simples y cortoplacistas, pero muy exitosos: entrar rápidamente en el consciente colectivo, propiciar la fácil memorización, provocar normalmente deseos de mover el cuerpo (¿bailar?) o sencillamente exacerbar emociones básicas. La producción de este tipo de música puede incluso ser hecha “en serie” o automatizada, como por ejemplo el “tecno”. Los resultados comerciales son normalmente favorables y los grandes sellos invierten considerables sumas en mercadeo y promoción de los “artistas” y sus álbumes, hasta que estos simplemente pasan de moda y son reemplazados por “productos más frescos”.
La música progresiva, en cambio, se fundamenta sobre una base rítmica compleja, la que puede ir variando a lo largo de la composición, teniendo pasajes muy lentos o muy románticos, otros de gran intensidad y fuerza, otros de completo “desorden” (el cual es sólo aparente), todo esto tanto en lo lírico como en lo instrumental. La sustentación de esta estructura existe porque los miembros de la banda que interpreta la música normalmente son instrumentistas excepcionalmente talentosos, los vocalistas acometen las letras con una entrega rayana en la devoción y tanto la lírica como los instrumentos desarrollan una atmósfera que lleva al oyente (y buen entendedor) a pasearse por una amplia gama de emociones o sentimientos, incluso a cuestionamientos, muchos de los cuales están a nivel puramente intelectual.
Dado el carácter más complejo, más intelectual de esta música, dado que no es simple de asimilar y de memorizar, a que normalmente no se puede bailar y que, por lo tanto, apunta a un público más selectivo, los grandes sellos no amparan generalmente este tipo de producciones y los recursos con que cuentan los artistas son escasos. Los sellos que acogen sus producciones son usualmente independientes, casi artesanales. Sin embargo, en contraposición a la música popular, la música progresiva tiende a trascender por sobre las barreras del tiempo y de las modas, por lo que gran parte de sus seguidores lleva muchos años escuchando este tipo de música y su fidelidad es a toda prueba.
¿Cómo se Reconoce la Música Progresiva?
Naturalmente, cualquiera que esté incursionando en este mundo desea encontrar algunas características comunes que definan a un cierto tipo de música como progresiva. Desafortunadamente, como es en el caso de otros conceptos, no existe ni siquiera una característica común que toda la música progresiva comparta. Se puede tener una idea de lo que se piensa que es la música progresiva si se manejan descripciones como “complicado”, “intrincado”, “innovador”, “desafiante” y otros más. Obviamente, ninguno de estos adjetivos, incluso si se combinan entre sí, son necesarios o suficientes para definir categóricamente el término.
Bastará con señalar, entonces — y a riesgo de ser humillantemente rebatido por los puristas del lenguaje, quienes argumentarán que lo definido no puede estar contenido dentro de su propia definición — que la música progresiva es lo que suena como otra música progresiva. Esto no es un círculo vicioso, puesto que existen referentes aceptados, como Genesis, Yes, Gentle Giant, Pink Floyd y King Crimson, que podemos usar como la base para la analogía. En todo caso, se debe ser muy cuidadoso al usar estos cánones como los únicos referentes, puesto que de esa forma estaríamos ignorando la característica central de un término como “progresivo”: el que no tiene términos definitorios centrales. En última instancia, queda entonces como responsabilidad del oyente el rayar los límites de lo que él piensa que calza en su apreciación como progresivo o no. Lo importante siempre va a ser la música y no las etiquetas que se le pongan.
Con esto quiero decir que lo que nosotros intuimos como progresivo porque nos suena como Genesis y nos gusta como tal es totalmente válido, aunque otro piense que ninguna de las aseveraciones anteriores es verdadera. También, debemos dejar el criterio abierto para dar cabida a otra música o músicos que no nos suenen como nuestros patrones clásicos, pero que sí intuimos que debe ser considerado como progresivo, ya sea por su “complejidad”, o “intrincancia”, o “innovación”, o “desafío” o como queramos adjetivarlo. Si nos gusta ahora, o nos gustó antes y creemos que nos seguirá gustando, tal vez el ponerle nombre o tratar de clasificar tal o cual obra de una banda no sea lo más importante.
Clasificación de la Música Progresiva
La razón por la que hay tanto desacuerdo en sobre si una música es progresiva o no y sobre lo que es progresivo en sí, es que el término es usado para describir muchos estilos de música ostensiblemente diferentes. Distintos tipos de música innovadores o inclasificables están incluidos bajo el paraguas progresivo, lo que mueve a bastante confusión. Lo importante de recordar es que el término no está totalmente restringido a Yes o Genesis primitivos. La gente que piensa de esta forma queda absolutamente sorprendida cuando escucha por primera vez a Henry Cow, Magma o Univers Zéro; encuentran que sus horizontes se han ampliado, puesto que hay muchas formas diferentes de escuchar música, dependiendo de sus características. Los sub-géneros aceptados comúnmente, y que se describen a continuación, a menudo se concentran en diferentes aspectos de la música. Por ejemplo, la mayoría del RIO se concentra en el ritmo y requiere una actitud distinta en el oyente de la que tiene con el “ambient” que puede estar focalizado totalmente en la sonoridad, con exclusión del ritmo. Lo que caracteriza a un oyente experimentado es su capacidad de “switchearse” rápidamente entre estos focos diferentes y no criticar a la música por no poner atención en algo que ni siquiera está intentando acometer. Ninguna forma de música puede direccionarse a todos los aspectos interesantes de la música. Esto me lleva a sugerir que un oyente maduro y lógico que está verdaderamente interesado en la música tendrá gustos mucho más diversos de lo que la mayoría de la gente pueda siquiera imaginar. La música progresiva se direcciona a un espectro bastante amplio de atributos interesantes de la música.
Una cosa más. Existe una tendencia perniciosa de algunas personas por considerar la música progresiva como la joya de la corona, como la guinda de la torta de la música. Esto no es más que un sin sentido de gente con una escasa experiencia musical. La música progresiva no es más que un rincón pequeño de la música como un todo. El desafío es explorarla lo más ampliamente posible, porque sospecho que la música progresiva es un rincón particularmente entretenido para explorar.
Las Diferentes Categorías de la Música Progresiva
He aquí una primera clasificación de los sub-géneros que podemos encontrar bajo el gran género de la música progresiva. La lista no es exhaustiva ni representa a lo mejor otras clasificaciones que se pueden encontrar; pero servirá de guía para conocer un poco más del tema.
Ambient
Como el nombre lo sugiere, es una forma de concentrarse en la ambientación en lugar de en características normales, tales como la melodía, la armonía o el ritmo
Ejemplos: algo de Eno, Laraaji, Robert Rich, Cluster, los primeros Kraftwerk, Neu, mucha música new age.
Art Rock
Un nombre usado para referirse a antiguos trabajos exploratorios que tenían raíces en el pop. Muy a menudo es un despliegue de actitud en adición a cualquier característica musical. Es un término del cual se ha abusado que pareciera referirse más a la apariencia que a la música en su acuñamiento más común. En la frontera entre lo progresivo y estilos más comerciales de música. Muchas de estas bandas suelen ser etiquetadas simplemente como AOR (Adult Oriented Rock). Un punto de vista diferente de lo que puede ser música más sencilla pero hermosa. No muy progresiva pero casi.
Ejemplos: Be Bop Deluxe, Brian Eno al principio, Roxy Music, Toto, Moody Blues
Author Music
Este tipo de composiciones suelen estar escritas, interpretadas y producidas por una sola persona, por lo cual están muy identificadas con ella. Mike Oldfield, por ejemplo es uno de sus más claros ejemplos, el cual creó unas composiciones en las que mezclaba desde rock duro a música celta, llegando a ser tremendamente popular. Existen muchas influencias y enfoques a esta música.
Ejemplos: Mike Oldfield, Jean-Pascal Boffo, Jean-Michel Jarre, Alfredo Carrión, Lluis Llach (algo)
Canterbury
Una región de Inglaterra donde se originó un estilo único. El nombre de la región ahora ha pasado a ser la etiqueta para el estilo de música. Una de las formas más tempranas reconocidas como progresiva, la música Canterbury enfatiza la complejidad lacónica y usualmente los sonidos identificablemente ingleses. Las ideas resultantes de esta forma de música fueron muy originales. A menudo bastante jazzísticas en una forma bastante liviana, al integrar influencias del jazz de maneras únicas.
Ejemplos: Caravan, Soft Machine, Hatfield & The North, National Health
Classical Rock
Más accesiblemente relacionadas, las bandas que se iniciaron con The Nice intentando fusionar la música clásica con estructuras del rock. A menudo se sintió que eran bastante pomposas aunque exitosas en su tiempo. Muchas veces son en un formato de tres músicos.
Ejemplos: The Nice, ELP, Le Orme, Ekseption, Trace, The Trip
Euro-Rock
Cajón de sastre que describe un tipo de música progresiva más directa. Hay mucho material en la etiqueta alemana Bellaphon de principios de los 70. A menudo combinado con "Kraut Rock". Pueden incluirse las etiquetas Ohr, Brain, Komische y Pilz. Algunos grupos estaban caracterizados por la presencia de vocalistas femeninas.
Ejemplos: Nektar, Message, Amon Düül II, Can, Faust, Nine Days Wonder, Earth & Fire, Sandrose, Analogy
Euro-Rock Holandés
Estas bandas tenían un cierto sonido común. Es algo difícil de describir salvo por el hecho de que normalmente hay una fuerte presencia de la guitarra.
Ejemplos: Focus, Finch, Supersister, Crucis (Argentina), Earth & Fire
Experimental/Industrial
A menudo es material experimental duro. Los recovecos de la música donde casi nada más puede suceder. Casi siempre es difícil para el novato. Un uso considerable de ruidos, objetos, música concreta y a veces incluso herramientas eléctricas. Generalmente se focaliza en la textura y sonoridad a expensas de todo lo demás. Un área fascinante para el aventurero.
Ejemplos: Einstürzende Neubauten, Nurse With Wound, Hafler Trio, Main, Coil
Francés Teatral/Sinfónico
Cercano al género sinfónico pero diferenciadamente francés - un estilo consistente en rock progresivo y sensibilidad teatral que prosiguió con el estilo rock/disfraz de Peter Gabriel.
Ejemplos: Ange, Mona Lisa, Angipatch
Fusión
Jazz-rock explorativo; una fusión como su nombre lo sugiere. Quizás un poco más jazzístico que la mayoría de la música progresiva, pero más rockera que la mayoría del jazz. Es un género bastante bien establecido y excitante, con muchos intérpretes virtuosos.
Ejemplos: Mahavishnu Orchestra, Brand X, Iceberg, Arti e Mestieri, Bruford, Iceberg, Embryo, Area, Dixie Dregs.
Krautrock
Es un término político ligeramente incorrecto para referirse a una forma de rock usualmente extraño que se originó en Alemania en los 70. Tipificado como un estilo suelto e improvisacional con una gran proporción de experimentación y un sabor ligeramente peculiar. A menudo es difícil de escuchar, bastante siniestro y encubiertamente intelectual. Muy influyente en todo tipo de áreas incluso hoy en día. Algunas personas lo consideran el precursor de la música industrial, lo que está correcto: hay similitudes pero probablemente tantas como diferencias.
Ejemplos: Can, Amon Düül II, Faust, Xhol, Agitation Free, Tangerine Dream antiguo, Ash Ra Tempel
Metal Progresivo
Heavy metal influenciado por rock sinfónico o fusión. Usualmente es mucho más complejo que el metal estándar y se enfatiza a los instrumentistas virtuosos.
Ejemplos: Dream Theater, Fates Warning, Watchtower, Siege's Even, Cynic, Atheist
Neo-Progresivo
Rock sinfónico hecho en un formato simplificado o más comercial. A menudo rico y melodioso pero sin la complejidad de la música progresiva tradicional. Mayoritariamente, un fenómeno de los 80 y los 90.
Ejemplos: Marillion, iQ, Pendragon, Twelfth Night, Aragon, Jadis, Grey Lady Down
Progresivo Británico Temprano
La mayor parte de este material se asocia con la discográfica "Vertigo" original. Este tipo de música combinaba la psicodelia de los 60 con el rock sinfónico que se avecinaba en los 70, en iguales proporciones.
Ejemplos: May Blitz, Cressida, Spring
Progresivo Comercial
Existen algunos grupos que han hecho buena música rock que podrían ser considerados progresivos o no dependiendo de quién los escuche y de qué momento de su discografía se considere. Al menos su música es a veces compleja y hermosa. Nos hallamos de nuevo en las fronteras del progresivismo, desde el rock al pop. Son músicas accesibles a casi todos los oídos, quizás por ello nos encontramos ante las bandas más populares del mundo prog (y del no prog).
Ejemplos: Queen, Supertramp, Electric Light Orchestra (al principio), Dire Straits, Boston, Asia
Progresivo Electrónico
A menudo mal categorizado como “new age”, mucha de su música ya estaba circulando bastante antes que se acuñara el manoseado término. Muy explorativo, éste es un amplio campo y se tipifica por el uso de casi puros equipos electrónicos, de allí el nombre. Hay frecuentemente una concentración en la sonoridad y en la textura sobre los otros atributos musicales. Muchas veces espaciosos y etéreos. A veces bastante oscuramente poderosos pero no en la forma que tiende a ser el material ambient industrial. Los tipos de sonidos explorados tienden a estar dentro del rango menos extremo del sintetizador.
Ejemplos: Tangerine Dream de los 70, Klaus Schulze, Steve Roach, algo de Popol Vuh, lo más tardío de Kit Watkins, Jean-Michel Jarre
Progresivo Folk
Una variedad de música que tomó canciones folklóricas simples e hizo algo bastante nuevo con ellas.
Ejemplos: Emtidi, Witthüser & Westrupp, Malicorne, Mellow Candle
Progresivo Italiano
Género difícil de definir salvo por el hecho de que está desarrollado por bandas italianas. Quizás pueda destacarse una preocupación en este tipo de música por la dinámica, la elegancia y la sofisticación vocales.
Ejemplos: Premiata Forneria Marconi, Banco, Nuova Era, Semiramis, New Trolls (al principio), Locanda delle Fate.
Progresivo Neo-Clásico
Estilo que fusionó la música clásica del siglo 20, como Bartók y Prokofiev, con estructuras de rock nuevas. A veces referida como “chamber rock”, puede ser difícil de apreciar al principio porque los artistas de este tipo están aislados y son bastante diferentes. También, tiende a ser muy compleja, requiriendo ser escuchada muchas veces para alcanzar una correcta apreciación. Uno de los géneros menos entendidos del cual mucha gente es indiferente aunque es uno de los más enriquecedores.
Ejemplos: Univers Zéro, Art Zoyd, ZNR
Progresivo Sinfónico
Caracterizado por ricos teclados/sintetizadores, voces muy melódicas y a menudo estructurado como una pieza de música clásica, arreglada para una instrumentación de rock extendida, flexibilizando los límites del formato del rock. Cuando alguien trata en forma poco seria la música progresiva, esto es casi siempre de lo único que hablan. A menudo se escucha hablar de este género usándolo erróneamente como un sinónimo de toda la música progresiva y es llamado “pretencioso”.
Ejemplos: Yes, Genesis, Camel, Atoll, Mirthrandir, Änglagård
Rock In Opposition (RIO)
Un nombre acuñado por el ex baterista de Henry Cow, Chris Cutler. Este tipo de música desafía la categorización consistentemente (excepto por “RIO”) y es extremadamente desafiante y a menudo difícil de escuchar. Sin embargo, es muy enriquecedora en el largo plazo. La inclinación de las letras es normalmente política, especialmente en aquellas bandas en las que Cutler ha puesto sus manos. Técnicamente, bandas como Art Zoyd y Univers Zéro son RIO puesto que ellas suscriben a la amplia ética musical de Cutler en su concepción original. Sin embargo, el nombre ha sobrepasado sus connotaciones políticas originales y ahora se usa para referirse a artistas que interpretan un rol en forma similar a la simiente de Henry Cow, la principal banda RIO.
Ejemplos: Henry Cow, Art Bears, Samla Mammas Manna, News From Babel, Thinking Plague, Etron Fou Leloublan
Space Fusion
Un término áspero dado especialmente a la estupenda banda Gong, por su única mezcla de jazz fusión y ambientación. A menudo muy energética y concentrada en largos jams de solos teñidos con psicodelia. Generalmente se da un alto nivel de interpretación apretadamente moderado para crear una atmósfera limpia y brillante de efervescente fusión.
Ejemplos: Gong, Ozric Tentacles, Neo, Carpe Diem, algo de Djam Karet
Space Rock
Como los de arriba pero sin el lado jazzístico. Hawkwind fue casi el único exponente de este género y fueron los innovadores.
Ejemplos: Hawkwind, Amon Düül (la alineación inglesa)
Zeuhl
Una de las áreas verdaderamente únicas y menos conocidas de música, tipificada y casi totalmente debida a la increíble banda francesa Magma. Es un término usado para referirse a una marca particular de jazz fusion, a veces con fuertes influencias de Coltrane pero adoptando una grandiosidad y lenguaje armónico de ciertos trabajos clásicos, particularmente “Les Noces” de Stravinsky.
Ejemplos: Magma, Weidorje, Zao, Shub-Niggurath, Honeyelk, Musique Noise
26-09-2006
PR009 -- MAGMA Live at Auditorium Les Halles (1996)
Dicen que a uno puede gustarle mucho la música de Magma, estudiarla, analizarla, amarla incluso; pero que nada compara eso con la experiencia de verlos en vivo. Es magia verdadera en acción. Toda su experiencia anterior multiplíquela por diez y tendrá una idea de cómo es ver a Magma en vivo.
Como no he sido uno de los afortunados en vivir dicha experiencia, me he tenido que conformar con lo que reflejan los videos de esas presentaciones.
Y uno muy especial es este que les traigo hoy. Es una transmisión hecha por la televisión francesa de los conciertos que la agrupación dio en el Auditorium Les Halles, Francia, los días 11 y 12 de Diciembre de 1996.
El repertorio consta de 4 piezas fundamentales en la obra de los franceses: Kobaia, De Futura, Hhaï y Kohntarkösz. Existe una versión de calidad inferior en la que quedó registrada también Mekanik Destruktiw Kommandoh, pero no está incluido en la pieza que les presento a continuación.
No hay mucho más que hablar, sólo dénse el trabajo de bajarlo y a disfrutar...
PR008 -- NeBeLNeST o La Nueva Revolución Francesa
Cada tanto, el país de Asterix nos sorprende con notables expresiones de vanguardismo, al que ya nos tiene acostumbrados.
En materias de música progresiva, en los 70 surge ese influyente colectivo llamado Magma, activos totalmente hoy en día bajo la guía de ese monstruo llamado Christian Vander. Hoy tenemos que volver nuestra vista una vez más hacia Francia para prestarle atención a una banda relativamente nueva que está revolucionando el género.
Me refiero a NeBeLNeST.
Esta banda surge con un excelente primer disco homónimo en 1998 y otra notable grabación en 2002, NoVa eXPReSS. Conformada por un trío como núcleo central, formado por Michael Anselmi y los hermanos Gregory y Olivier Tejedor, se agrega recientemente el guitarrista Matthieu Sassier en reemplazo de Cyril Malderez. Esta banda, que surge en la escena post-rock/avant-progresiva, cultiva un sonido enérgico, como un rock sinfónico oscuro, con influencias de King Crimson y Pulsar & Shylock, enlazados fieramente con elementos psicodélicos y de gran improvisación.
Al escucharlos, uno evoca prontamente el espíritu de bandas de Rock In Opposition o de símbolos como Magma, Univers Zéro y Heldon. La base rítmica incesante del baterista Michael Anselmi y del bajista Gregory Tejedor dan paso a la energía prodigada por los interesantísimos teclados de Olivier Tejedor y a las ácidas guitarras de Malderez, en una oscura sinfonía que arrebata de inmediato.
La energía que transmite NeBeLNeST encantará por igual a seguidores del progresivo sinfónico, como a los jóvenes metaleros, así como a amantes del rock pesado (de hecho, un riff al comienzo de ReDRuM nos recuerda de inmediato los acordes de Paranoid de Black Sabbath).
NeBeLNeST recién acaba de lanzar su tercer trabajo al mercado, llamado ZePTO, el cual aún no he tenido el placer de escuchar; mas estoy ansioso por adquirirlo, porque escuchar a estos franceses es una verdadera aventura, que el oído experimentado sabrá aceptar para ser conducido por los intrincados pasajes cubiertos de tinieblas de estos nuevos revolucionarios.
NoVa eXPReSS
Uno de los detalles interesantes de esta producción es la calidad de la grabación. De hecho, el famoso productor Bob Drake, quien ha trabajado con 5uu's y Thinking Plague, entre otros, estuvo a cargo de la producción de este álbum. Hay una nota de Drake en el booklet del CD donde recomienda cómo ecualizar el estéreo donde uno vaya a escuchar el disco, a fin de obtener lo mejor de él. La cantidad de espacialidad adicionada a la grabación demuestra lo serios que son los NeBeLNeST acerca de el espacio, lo interno y lo profundo.
Después de una intrincada introducción, reminiscente del new wave de los 80, la banda explota en su verdadera intensidad, ganando terreno en todo el espacio auditivo. Otro elemento resaltante es que mucho de la música suena como improvisada, o al menos con partes que se parecen poco estructuradas alrededor de improvisaciones de práctica. Esta cualidad cruda aunque elaborada se presta a sí misma, en todo caso, para "aterrizar" su sonido.
Los sintetizadores y otros dispositivos crean la visión sonora de espacio escaso pero profundo. El mellotron aparece siempre en el momento justo, desparramando su sombra a través de un millón de años luz, dejando incluso a las supernovas obscurecidas por sus tinieblas. El bajo normalmente está distorsionado y a menudo extremadamente bajo, emitiendo el tono oscuro de galaxias colisionantes. Esta es la dinámica de la que ellos hablan.
El nacimiento y muerte de las estrellas pasa notoriamente con cada escucha de este disco, convirtiéndolo fácilmente en uno de mis favoritos de los últimos tiempos.
Track listing:
1. BLaCKMaiL (9:35)
2. STiMPy BaR (5:12)
3. ReDRuM (11:03)
4. CiNeMa 1920 (5:00)
5. NoVa eXPReSS (15:32)
Total Time: 46:22
Line-up:
- Michael Anselmi/ drums
- Cyril Malderez / guitar
- Gregory Tejedor / bass
- Olivier Tejedor / synthesizers, devices
18-09-2006
VI002 -- Una Explicación Más Que Necesaria
Quiero disculparme ante todos los que tienen la osadía de visitar este sitio, por haberlo tenido "abandonado" por tantas semanas.
Viajes fuera del país, compromisos laborales y problemas de salud me han impedido poder dar la continuidad que hubiera deseado desde un principio.
He recibido muchos buenos comentarios y firmas en el Libro de Visitas de muchísimos de ustedes y he quedado estupefacto: elogian demasiado el humilde trabajo que he hecho, o que he intentado hacer, en este sitio.
Es la segunda vez en mi vida que me ocurre algo similar.
Hace muchos años, fui editor de la revista chilena de computación Microbyte y creé una sección llamada Dr. PC donde respondía a inquietudes técnicas de los lectores. El asunto es que tú estás encerrado entre cuatro paredes, solo, nada más que con tu computador y escribes. Tus artículos se publican y nunca sabes nada más sobre ellos.
Sin embargo, durante esa época, me tocó ir a dictar algunos seminarios a otras ciudades del país y quedé impresionadísimo de la acogida que tuve. La audiencia colmaba el salón en todas partes. Hasta me hacían entrevistas en los diarios. Yo soy lo menos "divo" que pueda existir en el mundo y este tipo de situaciones me avergüenzan enormemente, claro que es una vergüenza que por dentro se transforma en un placer orgulloso; es una sensación que te dice "hombre, lo estás haciendo bien".
Me dan más ganas de seguir adelante.
Muchísimas gracias a todos por vuestros comentarios y mails. Dios los bendiga.
Ya me voy a poner al día con lo más importante de este sitio: la música.
En el intertanto, un paréntesis musical, con el gran Cat Stevens, quien se dice pronto publicará un nuevo disco, luego de 28 años de receso.
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Viajes fuera del país, compromisos laborales y problemas de salud me han impedido poder dar la continuidad que hubiera deseado desde un principio.
He recibido muchos buenos comentarios y firmas en el Libro de Visitas de muchísimos de ustedes y he quedado estupefacto: elogian demasiado el humilde trabajo que he hecho, o que he intentado hacer, en este sitio.
Es la segunda vez en mi vida que me ocurre algo similar.
Hace muchos años, fui editor de la revista chilena de computación Microbyte y creé una sección llamada Dr. PC donde respondía a inquietudes técnicas de los lectores. El asunto es que tú estás encerrado entre cuatro paredes, solo, nada más que con tu computador y escribes. Tus artículos se publican y nunca sabes nada más sobre ellos.
Sin embargo, durante esa época, me tocó ir a dictar algunos seminarios a otras ciudades del país y quedé impresionadísimo de la acogida que tuve. La audiencia colmaba el salón en todas partes. Hasta me hacían entrevistas en los diarios. Yo soy lo menos "divo" que pueda existir en el mundo y este tipo de situaciones me avergüenzan enormemente, claro que es una vergüenza que por dentro se transforma en un placer orgulloso; es una sensación que te dice "hombre, lo estás haciendo bien".
Me dan más ganas de seguir adelante.
Muchísimas gracias a todos por vuestros comentarios y mails. Dios los bendiga.
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En el intertanto, un paréntesis musical, con el gran Cat Stevens, quien se dice pronto publicará un nuevo disco, luego de 28 años de receso.
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19-08-2006
PR007 -- SOLARIS - Progresivo Húngaro
Solaris es una banda húngara de rock progresivo, que fue fundada en 1980 por estudiantes universitarios amantes del rock progresivo y de la ciencia ficción. Los miembros fundadores fueron (nótese que los nombres están puestos a la usanza húngara, con el apellido primero): Erdész Róbert - teclados, Cziglán István - guitarra, Kollár Attila - flauta, Seres Attila - bajo, Tóth Vilmos - batería).
En 1980, ganaron el tercer puesto en una competencia amateur de bandas de pop-rock, entre 137 bandas de diferentes estilos. Este éxito fue su punto de partida, pues la canción Solaris fue publicada como un single al final de la competencia.
El grupo había hecho varios ensayos y conciertos en la Universidad Semmelweis y en diferentes clubes universitarios, con lo que intentaron crear su propio lenguaje musical.
El primer disco de larga duración de Solaris, llamado Marsbéli Krónikák (Martian Chronicles) fue publicado en 1984 en LP y en 1989 en CD y distribuido por todo el mundo. Fue considerado uno de los mejores discos progresivos en el período entre los años 1980 al 1995 por muchas revistas especializadas.
En 1995, la banda fue invitada al ProgFest ’95 de Los Angeles. Este es un festival de tres días y el segundo día Solaris fue la atracción principal. Este exitoso concierto fue publicado en un CD doble, Live In Los Angeles. Después de este concierto, han recibido invitaciones para otros importantes eventos de música progresiva:
Rio de Janeiro – 1996
Bethlehem PA – 1999 The First North East Art Rock Festival (NEARFEST)
Mexicali – Baja Prog, Mexico City 2001
Monterrey – 2004
En 1999, la banda publicó un disco de estudio completamente nuevo, llamado Nostradamus, Book of Prophecies. La presente alineación de Solaris es: Erdész Róbert - teclados, Bogdán Csaba - guitarra, Kollár Attila - flauta, Pócs Tamás - bajo, Gömör László – batería, Kisszabó Gábor - bajo.
La música de Solaris es de un poderoso contenido melódico, a menudo enlazado con temas de Europa oriental y se destaca por el uso de desarrollos temáticos dinámicos y extensos. Hacen un muy buen trato de los instrumentos principales, como la flauta, la guitarra y los teclados y su énfasis no está en producir largos solos sino que en el empleo de dichos instrumentos dentro del contexto del desarrollo de cada pieza individual.
El nombre de la banda es una referencia a la novela de ciencia ficción Solaris de Stanislaw Lem y el título de su primer disco es una referencia a la novela Crónicas Marcianas, de Ray Bradbury. Los miembros de la banda han dicho que siempre han estado influenciados por estos y otros libros de ciencia ficción.
El 99% de la música de Solaris es instrumental, sin palabras, salvo algunas excepciones, como veremos en estos dos discos que se analizan a continuación.
Marsbéli Krónikák (Martian Chronicles)
(Studio Album, 1984)
El disco comienza con una introducción muy a lo No Earthly Connection de Rick Wakeman, con una fanfarria de sintetizadores, para luego encauzarse rápidamente dentro del tema Marsbéli Krónikák part I en un estilo que nos recuerda bastante los trabajos de Vangelis en su época Pulsar, con unos diálogos “marcianos” (en húngaro) con una voz distorsionada muy parecida al famoso Martians Boggie de los Brownsville Station.
Ya en la segunda canción, Marsbéli Krónikák II y III, se presenta el resto de la banda, las guitarras acústica y eléctrica y la famosa flauta de Attila Kollar, sello distintivo de esta agrupación. Es una canción de seis minutos y medio con gran despliegue instrumental y buenos arreglos corales, sosteniendo una melodía subyacente que nos evoca un largo viaje. Continúa el desarrollo de la historia con la pista tres del disco, que combina las partes IV y V de Marsbéli Krónikák en un larga duración de 13 minutos, el que para mi gusto podría haber sido un tema más épico si hubiera tenido más partes corales y más instrumentación. Se apoya demasiado en el trabajo de Kollar en la flauta y queda algo desprovisto de mayor contundencia; sólo en los últimos segundos de la canción, el ambiente se llena más.
La quinta pista, Ha felszáll a köd, nos muestra al Solaris pleno, con una base instrumental encantadora y el muy bien logrado trabajo de la flauta, que deriva en una verdadera marcha de caballería llamada Apokalipszis, en la pista seis. Notable la interpretación al bajo de Tamas Pocs, que nos hace recordar al de Roger Waters en One Of These Days.
La pista ocho nos conduce por un territorio arisco, con un ritmo y una guitarra rayanos en lo metálico y los inagotables sintetizadores y la flauta entrecruzados en un diálogo enfervorizado. La tranquilidad nos es devuelta con la canción Solaris, aunque sólo hasta pasaditos los dos minutos, en que fluye repentinamente por pasajes de máxima aceleración, con la flauta de Kollar como único nexo hacia la nostalgia anterior.
El disco comienza a finalizar con la excelente Orchideák bolygója, una canción muy al estilo de Tangerine Dream, capaz de ponerte en trance con su hipnótico pitch electrónico.
La canción final del disco, A sárga kör, nos sorprende nuevamente con un ritmo medio oriental, casi árabe, guitarras acústicas y la flauta sumamente simétrica en ambos canales, interpretada con maestría (¡agárrate Ian Anderson!); me da la impresión que este tema puede estar inspirado por algún tipo de influencia folkórica de las tierras magyares; la cosa es que el resultado es súper paladeable, exquisito.
Track listing
1. Marsbéli krónikák I. (3:34)
2. Marsbéli krónikák II.-III. (6:32)
3. Marsbéli krónikák IV.-VI. (13:15)
4. M'ars poetica (6:39)
5. Ha felszáll a köd (3:58)
6. Apokalipszis (3:44)
7. E-moll elõjáték (0:29)
8. Legyõzhetetlen (2:46)
9. Solaris (4:53)
10. Orchideák bolygója (3:17)
11. A sárga kör (4:54)
Total Time: 54:01
Line-up
Istvan Czigman / electric & acoustic guitar, synthesizer, keyboard efect, percussion
Robert Erdesz / piano, organ, synthesizer, keyboard efect
Laszlo Gomor / drums, percussion, synthesizer
Attila Kollar / flute, recorder, synthesizer, keyboard efect, percussion, vocals
Tamas Pocs / bass
Guests
Casaba Bogdan / guitar
Gabor Kisszabo / bass
Ferenc Raus / drums, percussion
Vilmos Toth / percussion
(Links:
(mp3 CBR 320 Kbps)
Nostradamus Book Of Prophecies
(Studio Album, 1999)
Esta es una composición mucho más lograda que el disco debut de la banda. Recrea un ambiente de oscurantismo y magia, a través de trabajadísimos pasajes corales y el uso adecuado de instrumentos de viento y de efectos electrónicos.
El disco parte oscuro desde un principio, con el largo Book Of Prophecies que ocupa las tres primeras pistas, mediante el uso de coros y percusión de características medievales llenando el ambiente. Las melodías son intensas pero hermosas, y el trabajo en la flauta es magistral, siendo ésta una de las ocasiones en las cuales, dado el sinfonismo de la composición y del ambiente, no es natural la comparación con Jethro Tull. Los teclados y el sonido electrónico son uno de los sellos distintivos de Solaris, utilizados también magistralmente en este desarrollo.
Continúa el disco con The Duel, una canción de enardecido ritmo y poderosa interpretación, con excelentes pasajes corales y de flauta, más la sólida banda y los excelentes teclados. ¿Se refiere quizá a la profecía de Nostradamus sobre la muerte de Enrique II, luego de recibir una astilla de lanza en un ojo en un torneo?
The Lion's Empire es una canción larga, quizás referida al imperio de Napoleón profetizado por Nostradamus, con muy buenos riffs de guitarra eléctrica y la inclusión precisa y certera de la flauta. Una de las características destacables de esta banda de clase mundial es justamente esa, la combinación exacta de este instrumento en medio de sonidos eléctricos distorsionados.En un clima y forma muy similar a la anterior discurre la siguiente canción, Wings Of The Phoenix.
Ship Of Darkness es uno de los puntos más altos de este disco, una canción sorprendente, con intensos pasajes de flauta y de sintetizadores, más unos inquietantes y algo macabros bajos corales. La percusión y el bajo tienen un protagonismo también en largos segundos de la canción, con una interpretación estupenda, en especial alrededor del minuto 5, con un largo diálogo entre flauta y bajo.
Wargames es la única canción cantada del disco, en lenguaje húngaro, y con los consabidos y oscuros acompañamientos corales. Varias de las profecías de Nostradamus tienen relación con guerras, como las bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki o como las mismas guerras napoleónicas, lo que le da significado al título de esta canción. La aguzada guitarra de Bogdan y los efectos de ametralladora de los sintetizadores, más la marcha y las bombas del final nos invaden por completo, sumergiéndonos en el campo de batalla.
Un hermoso saxo nos tira hacia afuera de esa locura, para hacernos desembocar en el momento de la verdad. The Moment Of Truth es una hermosa canción, con erizantes coros en latín y la omipresente flauta llevando la voz cantante. Todo esto para terminar con una hermosa interpretación de la melodía en guitarra acústica de la pista diez.
La pista once es una versión editada para radio del Book Of Prophecies y se presenta en el disco a manera de bonus track. A mí modo de ver, se hizo una versión más digerible, menos oscura de la canción, cuyo resultado es igualmente apreciable.
Track listing
1 to 3. Book Of Prophecies (20:35)
4. The Duel (7:20)
5. The Lion's Empire (6:40)
6. Wings Of The Phoenix (5:08)
7. Ship Of Darkness (5:46)
8. Wargames (4:28)
9 to 10. The Moment Of Truth (6:40)
11. Book Of Prophecies Radio Edit (3:25)
Total Time: 60:02
Line-up
Casaba Bogdan / guitar
Robert Erdesz / Waldorf wave, Akai S6000, Moog prodigy, Emu protheus XR-2, Doepfer MS-404, Korg Mi, Yamaha TX 802
Laszlo Gomor / Sonor drums, Zildjian cymbals
Gabor Kisszabo / Washburn & Fernandes jazz-bass
Attila Kollar / flute, vocals
Tamas Pocs / Warwick fortress bass, Rickenbacker-4001
Guests
Zsuzsa Ullmann / vocal
György Demeter / vocal
Ferenc Gerdesits Senior / tenor
Tamás Bátor / bass
János Varga / guitar
Zsolt Vámos / guitar
Ferenc Muco / saxofon
SOLARIS - En vivo en ProgFest '95
Como un anticipo de mi próximo review de la obra de esta excelente banda, les presento aquí un fragmento en video de lo que fue su presentación en el ProgFest de Los Angeles en 1995. Disfrútenlo...
06-08-2006
PR006 -- DIETHELM/FAMULARI - Valleys In My Head (1984)
Cuando a fines de los 80, Julián García Reyes decide emprender el experimento de darle un golpe de timón a la Radio Futuro y virar su rumbo en 180 grados, desde una radio con programación pop y latina hacia una radio destinada a la difusión del rock, incluyendo grandes espacios para el rock clásico y también la onda más vanguardista, experimental y para el rock progresivo, supongo que nunca se imaginó la gran repercusión que una radio así iba a tener entre un tremendo sector del público chileno. Me sumo como uno más de los que siempre le estaremos agradecidos, don Julián (prócer de la radiodifusión en Chile), por tamaña decisión.
Por ese tiempo, mi amigo Cristian Landaeta, con quien compartimos la singularidad de haber nacido exactamente el mismo día del mismo año (creo que yo soy unas horas más viejo), era el Director Musical de la Futuro y su misión precisamente era la captura de ese gran público rockero que divagaba diariamente por el dial FM en busca de alguna salida de madre de un controlador radial que osadamente hubiera programado algo fuera de lo “mainstream”.
Y empezamos, al fin, a escuchar cosas que antes nadie programaba, incluyendo algunas primicias, conversaciones con grandes del concierto mundial (el patudo de Cristian, por ejemplo, llamaba por teléfono a su casa a Jean Michel Jarré) y también grabaciones exclusivas que nunca se habían oído por estos lares.
Dentro de estas últimas, comenzó a sonar de repente, una banda que nos traía un sonido fresco, a medio camino entre lo jazzístico y lo progresivo, un sonido alegre, con guitarras acústicas (a electro-acústicas), sintetizadores, una suave percusión y la presencia esporádica de voces femeninas o de falsetes bien logrados. Era un sonido que no se parecía a nada de lo escuchado antes y que te provocaba sensaciones hermosas.
Me acuerdo que me la pasaba perennemente con un cassette virgen en el grabador de mi estéreo, a la espera de que apareciera aquella selección de temas, que con la cuña “exclusivo de Futuro” furiosamente marcada en mitad del repertorio, esporádicamente y sin previo aviso lanzaba la radio y apresuradamente poder presionar la tecla “rec” para capturar esos diáfanos sonidos.
Tiempo después, conversando con mi amigo Angel Cardone, quien tenía la disquería “Foxtrot” en el Portal Lyon por esos años, me enteré que esa música correspondía a un extracto de piezas de un dueto llamado Diethelm / Famulari, las que eran grabaciones efectivamente propiedad exclusiva de la Radio Futuro y que era imposible conseguirse los discos de la banda, porque ya a esas alturas hacía años que estaban descontinuados, fuera de catálogo.
Durante todos estos años, entonces, tuve que conformarme con mis viejas y gastadas cintas y su “exclusivo de Futuro” oprobiosamente pisando los acordes de la guitarra de Diethelm… Hasta que, gracias a nuestra gran red digital, finalmente los encontré…
Y aquí se los presento… Amigos, Tomas Diethelm y Santino Famulari.
Diethelm / Famulari es un dueto de excelentes músicos suizos, integrado por Thomas Diethelm, un guitarrista con una técnica prodigiosa y Santino Famulari, uno de los mejores tecladistas del país relojero.
La música que crean es un rock progresivo único, de sonido muy refrescante, con fuertes influencias de jazz, basada principalmente en la guitarra acústica de Diethelm y acompañada magistralmente por los teclados de Famulari, y la incorporación de unas percusiones precisas y muy elegantes (en cada álbum invitan a un percusionista diferente: Trilok Gurtu en el primero y Fritz Hauser colabora en el segundo).
Diethelm logra ese sonido único de la guitarra mediante el empleo de cuerdas de nylon y una técnica de "looping" muy interesante, basada en transposiciones de tonos que siguen un patrón repetitivo, de modo que obtiene una melodía usando muy pocas notas. Esto puede sonar muy simple, pero el efecto es impresionante.
A saber, Diethelm/Famulari sacaron únicamente tres discos, pero hay muy poca documentación sobre cualquiera de ellos. Los álbumes son:
* Diethelm/Famulari (1983)
* Valleys In My Head (1984)
* The Flyer (1984)
Los dos primeros salieron sólo en LP, pero existe al menos un CD editado por Mercury que contiene la totalidad del segundo álbum más dos "bonus tracks" de "The Flyer".
Valleys In My Head
Bolivia marca la partida magistral de este disco, en treinta segundos ya tenemos una imagen perfecta de lo que es la banda y la singular técnica usada con la guitarra. Por el título, se podría pensar que la canción tiene algún componente andino, pero no es así. Le sigue Liquorice, una larga y compleja canción, con mucho y buen protagonismo de los teclados de Famulari y una excelente sección de percusión a cargo de herr Hauser. Las voces en falsete son cortesía de Diethelm. Esta complejidad da paso a Well Of The Pink, donde una introducción bastante sinfónica da comienzo a este monumental tema a cargo de los teclados de Famulari y la hermosa guitarra acústica de Diethelm; es una canción melancólica prácticamente sin percusión, salvo los timbales del principio y que engancha perfectamente con el portento que se nos viene encima.
Me refiero a Mindfresher. Acá Tomas Diethelm nos sorprende con toda su destreza, en una canción que a ratos se te escapa más allá de la comprensión; la voz de Regi Sager le da el tono casi jazzístico casi latino, que te trae de vuelta a la tierra. Una percusión justa y bien lograda, considerando incluso que esta banda, en este tipo de canción, no incorpora ningún bajo a su música. Excelente tema, que viene seguido por Valleys In My Head, que es otra canción magnífica, quizás la más progresiva del disco, que demuestra una vez más el virtuosismo de ambos músicos. Si no fuera por las diferencias en tiempo, diría que tiene alguna influencia o parecido con algunos de los trabajos de After Crying, como los del álbum "6" de la banda húngara.
La última canción del disco, Portrait, es otro de los excelentes temas, tal vez el mejor de todos, que se popularizaron gracias a las grabaciones de la Radio Futuro. Con una rítmica bastante singular marcada por los rasgueos de la guitarra y por algunos apagados golpes de bombo. La excelente sección de teclados a cargo de Famulari me hacen recordar algunos sincopados pasajes que le puedo haber escuchado a Chick Corea o a Herbie Hancock, pero nada más que por lo difíciles, porque esta banda no me calza con ninguna otra influencia conocida. ¿A qué suenan? Nada más que a Diethelm/Famulari. La verdad es que termina el disco y dan ganas de pararse a aplaudir.
Track Listing:
1. Bolivia 5:30
2. Liquorice 8:01
3. Well Of The Pink 4:48
4. Mindfresher 6:51
5. Valleys In My Head 4:49
6. Portrait 6:51
Total time: 36:53
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